Cinco clases de iniciación al software Ableton
Cinco clases de percepción auditiva
(Prepara tu mezcla).
Tres opciones a elegir:
(Subtitles 
)
Incluye 10 vídeos de 50 minutos cada uno, con un total de 9 horas de formación grabada.
Incluye 10 vídeos de 50 minutos cada uno, con un total de 9 horas de formación grabada.
(+2h en vivo con Terence)
Incluye 10 vídeos de 50 minutos cada uno, con un total de 9 horas de formación grabada.
(+4h en vivo con Terence)
Descubre un entorno de producción de audio digital (DAW) que supera los límites de la ingenio y la flexibilidad para músicos y productores. Este software ofrece un enrutamiento MIDI y de audio flexible, permitiendo una creatividad sin restricciones. Su modo Session, exclusivo de Ableton, ofrece un enfoque único para la composición, permitiéndote crear y experimentar en tiempo real sin ninguna limitación temporal. Ya sea que desees improvisar nuevas ideas o estructurar temas completos.
¡Sumérgete en el corazón de esta amplia biblioteca de sonidos, donde la calidad y la originalidad están garantizadas! Este módulo te ayudará a representar correctamente las vibraciones que generan sonidos, conocidas como frecuencias, así como la manera en que se propagan o se convierten según las reglas que rigen los protocolos de audio. Comenzaremos con un recordatorio esencial sobre los protocolos MIDI y de audio, para refrescar tu comprensión de cómo funcionan todos los programas de producción musical asistida por ordenador. Ya seas principiante o profesional, encontrarás recordatorios indispensables.
Descubre mis técnicas para producir beats profesionales en este capítulo. Te ofrecemos un flujo de trabajo optimizado que resalta los consejos y atajos que utilizo regularmente. Además, te presento un módulo gratuito de Max for Live diseñado específicamente para realzar tus grooves (y son muchos), permitiéndote crear frases sólidas listas para complementar tu beat principal. Hacia un nuevo enfoque.
El sistema de clips de audio y MIDI de Ableton Live está en el corazón de su enfoque único de la producción musical. Cada clip actúa como un módulo independiente. Ya sea para grabar ideas espontáneas o probar nuevas variaciones, tienes un control total sobre cómo interactúan los clips entre sí. Gracias a la flexibilidad del modo Session, puedes organizar y reorganizar tus ideas sin límites, sin restricciones de tiempo, manteniendo un flujo creativo continuo. Es una nueva herramienta para desarrollar ideas rápidamente, permitiendo la improvisación, especialmente con el modo UNLIKED y sus envellopes.¡Experimentemos!
Los sintetizadores están en el corazón de nuestra creación. Comprender los conceptos de la síntesis virtual y analógica, aunque similares en su enfoque, es esencial debido a sus diferentes resultados. La síntesis virtual, impulsada por algoritmos digitales, ofrece una versatilidad excepcional para crear sonidos complejos y personalizados. Al combinar la síntesis analógica, Ableton Live y otras DAW ofrecen un entorno híbrido, fusionando la precisión del digital con la calidez de las grabaciones analógicas. Revisaremos los fundamentos mientras exploramos mis plugins favoritos.
El gain staging consiste en determinar los niveles de sonido en decibelios (dB) de los elementos prioritarios según el género musical. ¿Cómo abordar este paso y establecer nuestra propia configuración? Es una etapa esencial del proceso de mezcla de audio, ya que permite controlar y optimizar los niveles de sonido para evitar la distorsión y asegurar una buena dinámica en la mezcla. Se trata de ajustar los niveles de entrada (o gain) de las diferentes pistas para que la señal no sea ni demasiado débil ni demasiado fuerte antes de pasar a las etapas de procesamiento de audio, como la ecualización, la compresión y los efectos: la mezcla. Veremos, en tres pasos simples, cómo posicionar este famoso segundo techo aplicando un gain/valor a algunas de nuestras señales.
El mono utiliza un solo canal de audio para reproducir el sonido, creando una imagen sonora uniforme y centrada, mientras que el estéreo emplea dos canales distintos para ofrecer una experiencia de sonido más inmersiva, permitiendo espacializar los elementos de audio en el espacio, lo que crea profundidad y direccionalidad. ¿Cómo controlamos estas dos naturalezas de señal? Nada complicado, pero muy útil para lograr un buen equilibrio.
La ecualización correctiva es un proceso que busca mejorar la calidad sonora de una grabación ajustando las frecuencias no deseadas. Permite reducir o atenuar problemas como resonancias excesivas, ruidos de fondo o desequilibrios en las frecuencias. Utilizando ecualizadores, el ingeniero de sonido puede dirigirse a bandas de frecuencias específicas para cortarlas o potenciarlas, logrando un sonido más claro y equilibrado. Esta técnica es esencial para garantizar que cada elemento del mix se distinga claramente. Les mostraré mi enfoque con mis herramientas favoritas.
Los compresores regulan la dinámica de una señal de audio reduciendo el volumen de los pasajes más fuertes, lo que permite obtener un sonido más equilibrado (nos referiríamos a un conjunto de frecuencias). Los ecualizadores dinámicos, por su parte, ajustan frecuencias específicas en función del nivel de la señal. Siempre he preferido abordar la amplitud y la dinámica comenzando con una visualización mediante los ecualizadores dinámicos, para luego introducir los procesadores de dinámica como los compresores. Así, el alumno podrá primero visualizar y luego escuchar, facilitando la diferenciación entre las dos herramientas.
El equilibrio entre el kick y el bajo es crucial para una mezcla sólida, ya que estos dos protagonistas prioritarios a menudo ocupan frecuencias similares en el parte baja del espectro (Frecuencias). En la genero "dance", el kick y el bajo representan la columna vertebral de la mezcla, formando la base rítmica y energética sobre la que descansa toda la producción. Exploraremos lo que he investigado durante tantos años y las conclusiones a las que he llegado (definición, espacio y optimización)
